En el marco del Doha Film Festival (DFF), que se desarrolla hasta el 28 de noviembre, se llevó a cabo el panel Reframing Cinema: Diversity in the Female Gaze , una conversación profunda y reveladora sobre los retos y oportunidades para las mujeres en la industria cinematográfica. La sesión subrayó el compromiso del Doha Film Institute (DFI) con el impulso de narrativas poderosas y diversas desde la escritura hasta la pantalla.
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Aloners. San Sebastián 2021
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Que una película se llame "Aloners" (en surcoreano: Hon-ja sa-neun sa-ram-deul) o lo que viene a significar "Solitarios" no es una buena carta de presentación que anime al público a ir al cine para pasar un buen rato. Pero cuando empiezas a escuchar las primeras olas que rompen en tus oídos sobre el tsunami de película que es, uno se pone alarmas en el móvil para hacerse con una de sus preciadas plazas cuando las sesiones se abren. La experiencia no defrauda, a pesar del título poco halagüeño.
En su primer film, la directora surcoreana Hong Sung-eun nos presenta a la comedida y brillante actriz Gong Seung-yeon a lo largo de 90 minutos dónde la batalla interpretativa de la propia actriz con sigo misma es tan épica y profunda que consigue golpear con certera en la línea de flotación de los miedos y disfrutes que nos proporciona la soledad.
Como trabajadora de una centralita que ayuda al cliente de tarjetas de crédito, la protagonista Jina se siente segura, no tiene que tratar con personas cara a cara, y eso le provoca tranquilidad. El no salir de su burbuja le permite no tener miedo a abrirse a los demás. Por contra, no tiene ningún reparo en disculparse por teléfono por los inconvenientes que las tarjetas hayan provocado a los clientes, un doble juego de abrirse falsamente para disculparse, pero tener pudor de comer con una compañera de trabajo.
La cinta nos muestra una sociedad en la que la gente no existe, ni en el metro, ni el bus, ni los vecinos... bien sea por la incoherente frialdad o por prestar más atención al móvil y la televisión, que tomando un café con un amigo. En ocasiones la falta de contacto y empatía con los demás llega a provocar visiones y problemas mentales, haciéndonos ver "vecinos fantasmas".
Las relaciones frías no son solo con los desconocidos, también con la familia, no aceptando y culpando a un padre que lo único que quería era lo mejor para su mujer. Las pequeñas sutilezas de cómo las personas lo complican todo, llegando incluso a pedir a un padre que deje de usar el móvil de la madre, en vez de cambiar el nombre de "mamá" a "papá".
Complicar las cosas por el miedo a salir de la zona de confort, de una burbuja ficticia donde nadie molesta, es lo que nos muestra la protagonista. La ansiedad de cambiar tu forma de vida para adaptarla a los demás provoca incomodidad. Ese derecho a molestar que reivindica la película es un derecho legítimo, vivimos en sociedad como buenos animales mamíferos y gregarios, el estar en sociedad nos expone a que seamos abordados por personas desagradables, pero también por los agradables. Todo nos da oportunidades de mejora. Cerrarse herméticamente a esta interacción nos hace morir en vida, como a la protagonista. El dejarse molestar por una compañera para ir a comer juntas no es motivo para molestarse, como dicen en la cinta "usted tiene el hábito de enfadarse por todo" la protagonista tiene la piel muy fina cuando sale de su burbuja.
Una preciosa y bella cinta, que a pesar del tema tratado es extraordinariamente dinámica. Su sutileza nos hace darnos cuenta de la falta de corazón que hay muchas veces con los que nos rodean, y la poca interacción que hay entre nosotros bien por no molestar, bien por no querer ser molestados. Hong Sung-eun reivindica el derecho y casi el deber de molestar para sentirse y hacer sentir a los demás vivos.
Tras deslumbrar al mundo con El hijo de Saúl (2015), László Nemes regresa a la gran pantalla con Orphan ( Árva ), presentada en la Sección Oficial de la 70.ª Seminci, Valladolid (España, 24 oct.-1 nov.). Una década después de su consagración, el director húngaro mantiene intacta su obsesión por el detalle y su voluntad de construir un cine moralmente riguroso, en el que cada gesto encierra una pregunta sobre la memoria y la culpa. Sin embargo, lo que en El hijo de Saúl era intensidad contenida, aquí se convierte en contención excesiva, en un rigor formal que roza la asfixia.
La segunda película del colombiano Simón Mesa Soto, Un poeta , presentada en Un certain regard de Cannes 2025, parece concebida como un experimento: un ensayo tragicómico sobre la creación artística, la decadencia masculina, y la supuesta trascendencia de la poesía en un mundo que no la necesita. Sin embargo, lo que podía haber sido un retrato melancólico y lúcido sobre el fracaso —personal y estético— termina convirtiéndose en una acumulación de decisiones formales y narrativas que resultan más autoindulgentes que efectivas. Rodada en 16mm, con un formato 4:3 que busca evocar una estética de otra época —quizá en correspondencia con la anacronía de su protagonista y su universo poético marginal—, Un poeta se construye desde el principio como una película que demanda ser tomada en serio. Y esa es precisamente su trampa: el uso del celuloide y del encuadre cuadrado, lejos de ser herramientas expresivas al servicio de la historia, se sienten como gestos estéticos vacíos, una especie de ...
Por David Sánchez El cine español cerró 2024 con una variada oferta de producciones que lograron atraer a millones de espectadores, aunque no todas alcanzaron el éxito esperado. Este artículo analiza el rendimiento económico del cine español en las primeras 50 cintas más vistas, destacando a las películas más taquilleras, aquellas que quedaron por debajo de ciertos umbrales de recaudación, y el papel crucial de las distribuidoras.
La presentación de Frankenstein en el Festival de Venecia 2025 reveló una obra monumental, tan ambiciosa como íntima, que busca renovar el mito literario con una lectura profundamente humana. Más que un relato de terror gótico, la película es un drama sobre la paternidad fallida, la soledad y la necesidad de reconciliación.
De nuevo en una de las mejores secciones del festival de Seminci, en Valladolid (España), tenemos un nuevo título con el nombre propio del protagonista (comparte sección con “Nino”). Siendo sinceros, este título no invita demasiado —“Kika” suena a comedia ligera o a algún derivado posmoderno del cine de Almodóvar—, la sorpresa llega pronto: lo que encontramos es una de las películas más inteligentes, sutiles y emocionalmente feroces del cine belga reciente. Alexe Poukine, de origen francés pero afincada en Bélgica, después de su trayectoria documentalista en Dormir, dormir dans les pierres o Lo que no te mata , demuestra que su mirada sobre la realidad es tan aguda como compasiva. Aquí, por fin, se atreve a dar el salto a la ficción total sin perder su tono de observación antropológica.
Película que hace su estreno internacional en el Red Sea IFF de Jeddah (Arabia Saudita) y que fue dirigida por el director iraní Amir Hossein Asgari , presentada inicialmente en Iran, en el 40º Festival de Cine Fajr (ganando 4 premios), es una obra cinematográfica que oscila entre la ostentación y la cautivación.
El director colombiano Ciro Guerra se ha consolidado como una de las voces más potentes y singulares del cine latinoamericano contemporáneo. Con El abrazo de la serpiente (2015), nominada al Óscar y con múltiples premios en Cannes, Sundance o Lima, abrió un diálogo global sobre el colonialismo, la pérdida de la sabiduría ancestral y la devastación ambiental. Casi una década después, su película conserva una fuerza y una vigencia conmovedoras. En el marco de la 70ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) —que se celebra del 24 de octubre al 1 de noviembre de 2025—, Guerra conversa sobre la actualidad de su obra y sobre el papel del cine como herramienta para repensar nuestra relación con el planeta.
En el marco del Festival de Cine Latinoamericano de Biarritz 2024, la directora venezolana Mariana Rondón presentó Zafari, una película que ha llamado la atención por su enfoque en las crisis que sacuden o han sacudido América Latina, usando una fábula distópica protagonizada por un hipopótamo. La película, que es una coproducción entre Perú, México, Brasil, Chile, República Dominicana y Francia,con un reparto también internacional donde destacan: Samantha Castillo, Francisco Denis, Varek La Rosa o Daniela Ramírez, refleja las tensiones sociales y políticas que atraviesan la región, especialmente en países como Venezuela, de donde es originaria la directora.
La reciente rueda de prensa de Train Dreams ofreció a la prensa y al público un vistazo profundo al corazón de esta nueva película, que explora la vida, la pérdida y la resiliencia a lo largo de ocho décadas en Estados Unidos. Dirigida y coescrita por Clint Bentley, la película adapta la novela homónima y reúne a un elenco destacado, incluyendo a Joel Edgerton, Felicity Jones, William H. Macy y Kerry Condon, junto al director de fotografía Adolpho Veloso.
El Festival Internacional de Cine LGBTIQA+ de Madrid, LesGaiCineMad , renombrado QueerCineMad recientemente, celebra su 30ª edición del 11 al 23 de noviembre de 2025 , consolidándose como una cita imprescindible para la visibilidad y la reivindicación a través del séptimo arte. Con una programación extensa y diversa, el festival mantiene su compromiso de usar el cine como herramienta de transformación social.
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