La cineasta sudanesa-qatarí Eiman Mirghani (segunda por la izd. en la foto) regresó este año al Doha Film Festival para presentar su nuevo trabajo dentro de la sección Made in Qatar . Se trata de su tercer cortometraje y su segundo documental, Villa 187 , una obra que nace —según confiesa— de una profunda herida personal. “Estoy muy emocionada de estar de vuelta. Este es mi tercer cortometraje y mi segundo documental”, afirma.
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Capitu e o Capítulo. Biarritz 2021
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Cuando el propio programador presenta el film que vamos a ver a continuación como una obra que se sale de lo normal, quizás complicada a entender fuera de festivales como "Margenes" o "Traverse", pero que al ser de alguien como Júlio Bressane, no podían dejar de ponerla en concurso en el festival de cine de América Latina de Biarritz. Recordemos que Bressane lleva haciendo cine desde 1967 con varios títulos míticos como "La hierba de la rata", "Memorias póstumas de Brás Cubas de Machado de Assis", o "Mató a su familia y fue al cine". Uno se emociona por la intriga de lo que va a ver.
Después compara el hecho de programar esta película con que Cannes haría lo mismo con directores comoGodard, que no podrían permitirse el lujo de no pasar una película de un director como ese, aquí la emoción aumenta más aún. Después el propio director desde Brasil nos envía un vídeo en el que al final nos pide "paciencia y buen visionado". La palabra "paciencia" dicha por un director antes de presentar su película produce ternura, respeto por la honestidad de un director que es consciente de que quizás los gustos del público puedan vapulear su película. Comparado con otros directores de gran nombre, quienes creen que hagan lo que hagan es una obra de arte, con un tropel de aduladores que siempre les dicen que es magnífico. Aquí podemos recordar el comentario del falso conserje de "Date una vuelta en el aire" que decía que sus mangas manchadas con salpicaduras de pintura eran estilo Pollock. Cuando cualquier cosa es arte uno debería preocuparse. Cuando un artista pide paciencia porque mete en la ecuación al público, eso es una muestra enorme de respeto por nosotros, el público.
Una vez que comienza la proyección nos damos cuenta de que el maestro Júlio Bressane tenía razón de advertirnos. Su obra está teatralizada, con interpretaciones calculadamente frías donde la estética es lo fundamental en la trama, una trama casi inexistente donde un hombre tira papeles al aire en su despacho, una pareja se declara uno a otro, todo sin una aparente amalgama que lo una, con pausas excesivamente largas tras las frases, algo para lo que el público necesito paciencia, mucha paciencia.
Basado en el texto de Machado de Assis: "Dom Casmurro", donde un abogado cree que su mujer, Capitu, lo engaña con su mejor amigo.
Sin duda una obra que entraría dentro del cine denominado experimental, o de la nueva ola gallega del que ya hemos hablado muchas veces en tegustamuchoelcine, este estilo de cine requiere de un estudio anterior, de una explicación de lo que se va a ver para poder entenderlo. Este tipo de películas pueden ser maravillosas con las que la gente disfruta enormemente de las plasticidad, las magníficas imágenes y la puesta en escena milimétricamente calculada, aunque el guión, las actuaciones, el dinamismo a veces está ausente.
Por otro lado este mismo tipo de películas pueden ser la causa de que los espectadores abandonen la sala a los pocos minutos, con la pérdida no solo del dinero de la entrada sino de las ganas para volver en un futuro al cine, ejemplos claros de esto son "Lua Vermella", "9 fugas", "Longa noite" y muchas otras películas que no paran de ir por festivales ganando premios, aunque igual no funcionan tan bien en las salas, el cine experimental está de moda, lo que no sabemos si está para quedarse.
Tras deslumbrar al mundo con El hijo de Saúl (2015), László Nemes regresa a la gran pantalla con Orphan ( Árva ), presentada en la Sección Oficial de la 70.ª Seminci, Valladolid (España, 24 oct.-1 nov.). Una década después de su consagración, el director húngaro mantiene intacta su obsesión por el detalle y su voluntad de construir un cine moralmente riguroso, en el que cada gesto encierra una pregunta sobre la memoria y la culpa. Sin embargo, lo que en El hijo de Saúl era intensidad contenida, aquí se convierte en contención excesiva, en un rigor formal que roza la asfixia.
La segunda película del colombiano Simón Mesa Soto, Un poeta , presentada en Un certain regard de Cannes 2025, parece concebida como un experimento: un ensayo tragicómico sobre la creación artística, la decadencia masculina, y la supuesta trascendencia de la poesía en un mundo que no la necesita. Sin embargo, lo que podía haber sido un retrato melancólico y lúcido sobre el fracaso —personal y estético— termina convirtiéndose en una acumulación de decisiones formales y narrativas que resultan más autoindulgentes que efectivas. Rodada en 16mm, con un formato 4:3 que busca evocar una estética de otra época —quizá en correspondencia con la anacronía de su protagonista y su universo poético marginal—, Un poeta se construye desde el principio como una película que demanda ser tomada en serio. Y esa es precisamente su trampa: el uso del celuloide y del encuadre cuadrado, lejos de ser herramientas expresivas al servicio de la historia, se sienten como gestos estéticos vacíos, una especie de ...
Por David Sánchez El cine español cerró 2024 con una variada oferta de producciones que lograron atraer a millones de espectadores, aunque no todas alcanzaron el éxito esperado. Este artículo analiza el rendimiento económico del cine español en las primeras 50 cintas más vistas, destacando a las películas más taquilleras, aquellas que quedaron por debajo de ciertos umbrales de recaudación, y el papel crucial de las distribuidoras.
La presentación de Frankenstein en el Festival de Venecia 2025 reveló una obra monumental, tan ambiciosa como íntima, que busca renovar el mito literario con una lectura profundamente humana. Más que un relato de terror gótico, la película es un drama sobre la paternidad fallida, la soledad y la necesidad de reconciliación.
De nuevo en una de las mejores secciones del festival de Seminci, en Valladolid (España), tenemos un nuevo título con el nombre propio del protagonista (comparte sección con “Nino”). Siendo sinceros, este título no invita demasiado —“Kika” suena a comedia ligera o a algún derivado posmoderno del cine de Almodóvar—, la sorpresa llega pronto: lo que encontramos es una de las películas más inteligentes, sutiles y emocionalmente feroces del cine belga reciente. Alexe Poukine, de origen francés pero afincada en Bélgica, después de su trayectoria documentalista en Dormir, dormir dans les pierres o Lo que no te mata , demuestra que su mirada sobre la realidad es tan aguda como compasiva. Aquí, por fin, se atreve a dar el salto a la ficción total sin perder su tono de observación antropológica.
Película que hace su estreno internacional en el Red Sea IFF de Jeddah (Arabia Saudita) y que fue dirigida por el director iraní Amir Hossein Asgari , presentada inicialmente en Iran, en el 40º Festival de Cine Fajr (ganando 4 premios), es una obra cinematográfica que oscila entre la ostentación y la cautivación.
El director colombiano Ciro Guerra se ha consolidado como una de las voces más potentes y singulares del cine latinoamericano contemporáneo. Con El abrazo de la serpiente (2015), nominada al Óscar y con múltiples premios en Cannes, Sundance o Lima, abrió un diálogo global sobre el colonialismo, la pérdida de la sabiduría ancestral y la devastación ambiental. Casi una década después, su película conserva una fuerza y una vigencia conmovedoras. En el marco de la 70ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) —que se celebra del 24 de octubre al 1 de noviembre de 2025—, Guerra conversa sobre la actualidad de su obra y sobre el papel del cine como herramienta para repensar nuestra relación con el planeta.
Nino , de Pauline Loquès , presentada mundialmente en el Festival de Toronto (TIFF 2024) y ahora en la 70ª Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) dentro de la sección Punto de Encuentro del festival Español , es una película que sorprende precisamente porque no intenta sorprender. A partir de una premisa que podría dar pie al sentimentalismo —un joven que acaba de ser diagnosticado con cáncer—, Loquès construye un relato íntimo, lúcido y profundamente humano. Es una de esas películas que no buscan provocar lágrimas, sino acompañar al espectador en un proceso emocional que, sin grandes golpes de efecto, deja una huella duradera.
En el marco del Festival de Cine Latinoamericano de Biarritz 2024, la directora venezolana Mariana Rondón presentó Zafari, una película que ha llamado la atención por su enfoque en las crisis que sacuden o han sacudido América Latina, usando una fábula distópica protagonizada por un hipopótamo. La película, que es una coproducción entre Perú, México, Brasil, Chile, República Dominicana y Francia,con un reparto también internacional donde destacan: Samantha Castillo, Francisco Denis, Varek La Rosa o Daniela Ramírez, refleja las tensiones sociales y políticas que atraviesan la región, especialmente en países como Venezuela, de donde es originaria la directora.
La reciente rueda de prensa de Train Dreams ofreció a la prensa y al público un vistazo profundo al corazón de esta nueva película, que explora la vida, la pérdida y la resiliencia a lo largo de ocho décadas en Estados Unidos. Dirigida y coescrita por Clint Bentley, la película adapta la novela homónima y reúne a un elenco destacado, incluyendo a Joel Edgerton, Felicity Jones, William H. Macy y Kerry Condon, junto al director de fotografía Adolpho Veloso.
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