El Festival de Cine de Doha ha dado un paso significativo al anunciar una muestra dedicada al cine chileno y argentino como parte del Año de la Cultura Qatar-Argentina-Chile 2025 . El gesto llega en un momento crucial para ambos países, cuyas industrias audiovisuales atraviesan un panorama de fuerte contraste: por un lado, reconocimientos internacionales constantes; por otro, recortes presupuestarios, incertidumbre institucional y menor apoyo estatal.
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Sin la Habana. Miami 2021
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Del director canadiense Kaveh Nabatian, seleccionada para el festival de Miami 2021, narra la vida de Leonardo, un bailarín de ballet cubano y Sara, abogada. Están enamorados, son jóvenes, guapos y ambiciosos, pero sus sueños se topan con las fronteras cerradas de Cuba. Nos puede recordar a la cinta de Iciar Bollain "Yuli".
La cinta nos muestra con distintos filtros la calidez pero penuria de Cuba y la frialdad pero bienestar de Quebec. El director Nabatian filma La Habana con infinita ternura. Solo un pero, el exceso de imágenes contemplativas sin llegar a dominar la técnica para no aburrir al espectador, a pesar de las aceptables actuaciones del elenco: Yonah Acosta Gonzalez, Aki Yaghoubi, Evelyn Castroda O'Farrill, Julio Cesar Hong Oritz, y Ahlam Gholami.
Leonardo sale de Cuba para visitar a Nasim, pero la visita se convierte en una estancia prolongada. Leonardo sigue planeando llevar a Sara a Montreal, pero, por supuesto, Nasim no lo sabe. Mientras tanto, intenta entrar en varias compañías de danza y sigue siendo rechazado. Entonces consigue un trabajo a través de un amigo que conoce en una planta de envasado de carne. Su amigo le dice a Leonardo que puede conseguir que uno de sus amigos se case con Sara y la lleve a Canadá. Con el desgaste emocional que supone para todas las partes implicadas. Sin La Habana nos muestra este peaje en sus tres personajes centrales.
Además de dar un giro diferente a la típica historia de inmigrantes, la película de Nabatian tiene una fotografía y un montaje asombrosamente bellos. Hay escenas de prácticas espirituales cubanas superpuestas a los paseos solitarios de Leonardo por la metrópolis nevada que es Montreal.
El director nos muestra un entresijo de pasiones, ambiciones, insubordinación de bailarín con espíritu de estrella, el vudú, o el racismo para intentar hacer una narración verosímil de este bailarín que comienza su nueva vida lejos de lo que a la vez le hacía sentir bien y mal.
Al final de la película, te quedas con una sensación de esperanza, pero también te quedas preguntando cómo acabarán los tres en sus viajes. Es muy fácil dejarse envolver por el bello mundo musical de la danza, el amor y la angustia que es Sin La Habana. Si bien las escenas finales con ese filtro que distorsiona la imagen puede resultar excesivamente largo sin llegar a aportar mucho a la narrativa de la película, pero dejamos que este efecto óptico quiera decir que todo es un sueño en el que los protagonistas somos nosotros mismos.
Película que hace su estreno internacional en el Red Sea IFF de Jeddah (Arabia Saudita) y que fue dirigida por el director iraní Amir Hossein Asgari , presentada inicialmente en Iran, en el 40º Festival de Cine Fajr (ganando 4 premios), es una obra cinematográfica que oscila entre la ostentación y la cautivación.
La segunda película del colombiano Simón Mesa Soto, Un poeta , presentada en Un certain regard de Cannes 2025, parece concebida como un experimento: un ensayo tragicómico sobre la creación artística, la decadencia masculina, y la supuesta trascendencia de la poesía en un mundo que no la necesita. Sin embargo, lo que podía haber sido un retrato melancólico y lúcido sobre el fracaso —personal y estético— termina convirtiéndose en una acumulación de decisiones formales y narrativas que resultan más autoindulgentes que efectivas. Rodada en 16mm, con un formato 4:3 que busca evocar una estética de otra época —quizá en correspondencia con la anacronía de su protagonista y su universo poético marginal—, Un poeta se construye desde el principio como una película que demanda ser tomada en serio. Y esa es precisamente su trampa: el uso del celuloide y del encuadre cuadrado, lejos de ser herramientas expresivas al servicio de la historia, se sienten como gestos estéticos vacíos, una especie de ...
Tras deslumbrar al mundo con El hijo de Saúl (2015), László Nemes regresa a la gran pantalla con Orphan ( Árva ), presentada en la Sección Oficial de la 70.ª Seminci, Valladolid (España, 24 oct.-1 nov.). Una década después de su consagración, el director húngaro mantiene intacta su obsesión por el detalle y su voluntad de construir un cine moralmente riguroso, en el que cada gesto encierra una pregunta sobre la memoria y la culpa. Sin embargo, lo que en El hijo de Saúl era intensidad contenida, aquí se convierte en contención excesiva, en un rigor formal que roza la asfixia.
Por David Sánchez El cine español cerró 2024 con una variada oferta de producciones que lograron atraer a millones de espectadores, aunque no todas alcanzaron el éxito esperado. Este artículo analiza el rendimiento económico del cine español en las primeras 50 cintas más vistas, destacando a las películas más taquilleras, aquellas que quedaron por debajo de ciertos umbrales de recaudación, y el papel crucial de las distribuidoras.
De nuevo en una de las mejores secciones del festival de Seminci, en Valladolid (España), tenemos un nuevo título con el nombre propio del protagonista (comparte sección con “Nino”). Siendo sinceros, este título no invita demasiado —“Kika” suena a comedia ligera o a algún derivado posmoderno del cine de Almodóvar—, la sorpresa llega pronto: lo que encontramos es una de las películas más inteligentes, sutiles y emocionalmente feroces del cine belga reciente. Alexe Poukine, de origen francés pero afincada en Bélgica, después de su trayectoria documentalista en Dormir, dormir dans les pierres o Lo que no te mata , demuestra que su mirada sobre la realidad es tan aguda como compasiva. Aquí, por fin, se atreve a dar el salto a la ficción total sin perder su tono de observación antropológica.
La presentación de Frankenstein en el Festival de Venecia 2025 reveló una obra monumental, tan ambiciosa como íntima, que busca renovar el mito literario con una lectura profundamente humana. Más que un relato de terror gótico, la película es un drama sobre la paternidad fallida, la soledad y la necesidad de reconciliación.
La Semana Internacional de Cine de Valladolid (SEMINCI) cumple setenta años . Siete décadas de cine comprometido, de miradas independientes, de autores que se atreven a pensar el mundo desde la pantalla. Del 24 de octubre al 1 de noviembre de 2025 , la capital castellana volverá a convertirse en un epicentro de la cinefilia europea, reafirmando su identidad como uno de los grandes festivales de autor del continente, junto a Cannes, Venecia y Berlín .
Presentada oficialmente el 25 de junio en su ciudad natal, Toulouse —y no en París, como suele ser la norma en la industria cinematográfica francesa—, Falcon Express se perfila como una de las películas de animación más singulares del año. Esta nueva producción del estudio TAT fue recibida con ovaciones en el Festival de Cine de Animación de Annecy, donde el público no solo aplaudió al final, sino incluso durante la proyección.
El Tallinn Black Nights Film Festival (PÖFF) , uno de los grandes encuentros cinematográficos del norte de Europa, celebrará su 29ª edición del 7 al 23 de noviembre de 2025 en la capital estonia. Este año, el certamen se presenta con un espíritu diverso y ambicioso: 16 estrenos mundiales y más de 80 países representados (por el momento, aún hay secciones por presentar a día de 14-10-2025) , lo que consolida a Tallin como una plataforma de descubrimiento clave para el cine de autor.
Nino , de Pauline Loquès , presentada mundialmente en el Festival de Toronto (TIFF 2024) y ahora en la 70ª Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) dentro de la sección Punto de Encuentro del festival Español , es una película que sorprende precisamente porque no intenta sorprender. A partir de una premisa que podría dar pie al sentimentalismo —un joven que acaba de ser diagnosticado con cáncer—, Loquès construye un relato íntimo, lúcido y profundamente humano. Es una de esas películas que no buscan provocar lágrimas, sino acompañar al espectador en un proceso emocional que, sin grandes golpes de efecto, deja una huella duradera.
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